Dog: Un viaje salvaje

7.3
Un guardabosques del ejército y su perro se embarcan en un viaje por carretera a lo largo de la Pacific Coast Highway para asistir al funeral de un amigo.Dog: Un viaje salvaje Critica: La primera incursión tras las cámaras del actor Channing Tatum, acompañado en la dirección por la debutante Reid Carolin, de título 'Dog. Un viaje salvaje', se configura como una de esas road movies de tono desenfadado, sin excesivas pretensiones en lo artístico, dónde se busca con ahínco el lucimiento del protagonista. Tatum, que comparte pantalla junto a un un malinois belga, se luce más bien poco. Creo que incluso los incondicionales de este bailarín y modelo, reconvertido en actor, no se sentirán especialmente atraídos por su desempeño. Interpreta a un soldado ansioso por volver a la acción tras padecer un traumatismo cerebral. Se le encarga la misión de trasladar a la perra de un icónico y mediático militar recientemente fallecido. Deberá llevar al can en su furgoneta. Un trayecto de varios días para que asista al funeral en honor a la persona con la que compartió vida castrense. Huelga decir que el can es de armas tomar. Irascible, indomable, de trato imposible, el trayecto se antoja movido.Dog: Un viaje salvaje El ejército americano se vanagloria y presume de ocuparse siempre de los caídos en acto de servicio. Se intenta recuperar sus cuerpos para entregarlos a sus familiares, honrar su memoria y no dejar a nadie en el camino. En esta particular idiosincrasia de un país acostumbrado a los conflictos, se inserta una historia que, mirada desde otras ópticas, podría resultar un tanto chirriante, cuando no directamente extravagante o ilusoria. El problema de 'Dog. Un viaje imposible', no nace de su punto de partida. Es el desarrollo de la misma lo que la convierte en fallida. Demasiado liviana como comedia, al tiempo que como drama se acomoda al cliché. En esta película, Channing Tatum y su perro parecen dos almas errantes en busca del camino que antaño les hizo felices, en el caso del animal porque es para lo que ha sido entrenado, en el del hombre para escapar de otras obligaciones. Para cuando creen haberlo alcanzado, este cronista hace rato que se bajó de un relato simpático por buenista, mediocre por reiterativo, que me deja indiferente.Dog: Un viaje salvaje
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1080p Dual Español Latino 20/06/2022 1.95 GB 417 Descargar

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Naomi

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Sigue el viaje de una adolescente desde su pequeña ciudad del noroeste hasta las alturas del multiverso. Cuando un evento sobrenatural sacude su ciudad natal hasta la médula, Naomi se propone descubrir sus orígenes, y lo que descubre desafiará todo lo que creemos sobre nuestros héroes.Naomi Critica: Por una parte, soy un tardío fan de la cinta original. En 1983 me pareció un pestiño (era un adolescente abducido por ‘La guerra de las galaxias’); en 1992, en mi opinión, el montaje del director mejoraba (y mucho) la propuesta; pero no fue hasta hace algunos pocos años, ya en formato blue-ray, en que me sedujo y cautivó por completo y sin reservas. Por otra parte, soy un entusiasta admirador del director Denis Villeneuve, de quien sólo he visto aciertos de todo género y planteamiento, un virguero de las imágenes y del montaje, un artista incontestable y evidente, lo mejor que me he encontrado en una sala de cine en lo que va de siglo. Es decir, que iba con ganas y sana curiosidad al cine, esperando encontrar un propuesta inédita y – sea cual fuera el camino elegido – llena de aciertos… pero nada más lejos de la realidad.Pero vayamos por partes, porque hay muchos aciertos pero también otros tantos deméritos dignos de mención. Entre lo positivo está la puesta en escena que recrea, prolonga y amplía la arrebatadora estética primigenia: esa llovizna casi constante, esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.Naomi

En la hierba alta

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5.4

Después de escuchar a un niño gritando pidiendo ayuda desde las verdes profundidades de un vasto campo de hierba alta, Becky, una mujer embarazada, y Cal, su hermano, aparcan su coche cerca de una misteriosa iglesia abandonada y entran imprudentemente en el campo, descubriendo que no están solos y que por alguna razón son incapaces de escapar de un laberinto vegetal completamente inextricable. En la hierba alta Critica: Nueva adaptación de Stephen King para Netflix, en este caso, de un relato que escribió junto a su hijo Joe Hill. Dirigida por el director de la magnífica Cube (1997) y protagonizada por Patrick Wilson (Expediente Warren, 2013) y Harrison Gilbertson (Ilimitado, 2018) entre otros. Dos hermanos se adentran en un inmenso campo de hierba tras escuchar el grito de auxilio de un niño. Cuando Becky y Cal oyen el llanto de un niño pidiendo ayuda, ambos se adentrarán en un gran campo de hierba alta en Kansas, donde quedarán atrapados por una fuerza siniestra que rápidamente les desorienta y les separa. Aislados del mundo y sin posibilidad de escapar del control del campo, pronto descubren que lo único peor que estar perdido es ser encontrado. Película que nos mete de lleno en una trama sencilla y efectiva, tirando, en principio, de un terror psicológico excelentemente manejado que va diluyéndose por momentos a medida que el film avanza. Las actuaciones son muy correctas aunque los personajes que se interpretan son, en su mayoría, algo planos y desdibujados, y a la dirección del ya más televisivo Natali, se le puede poner pocos peros, ya que consigue construir un film claustrofóbico con momentos puntuales auténticamente aterradores y elementos más explícitos que pillan por sorpresa al espectador, eso sí, utilizando en muchas ocasiones un CGI malísimo para elementos en los que no hacía ninguna falta. En la Hierba Alta empieza de forma brillante para en su mitad decaer bastante salvando ciertos momentos, y finaliza de forma que provoca cierta indiferencia en el espectador. Esta correcta adaptación del maestro del terror, pasa sin pena ni gloria, de forma que entretendrá a los fans del género y del escritor sin aportar mucho más, lo cual es bastante frecuente en las películas originales de Netflix. Nota personal 6/10

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Una aterradora tormenta electrica arrasa un pequeño pueblo que, al día siguente, despierta con total normalidad hasta que una densa y extraña niebla comienza a entenderse por la localidad. Este fenómeno antinatural deja a sus habitantes prácticamente aislados al reducir la visibilidad drásticamente, pero lo peor es que parece que hay algo más: comienzan a entreverse numerosas criaturas que no dudan en atacar a cualquier persona que se atreva a moverse a través de la niebla, The Mist es una miniserie de misterio e intriga con toques de terror basada en la novela del mismo nombre escrita por el autor Stephen King, que fue publicada en 1983. La miniserie cuenta con 10 episodios que detallan los eventos que suceden en el pueblo como producto de la aparición de esta aparentemente inofensiva niebla que va causando caos a medida que se expande. Este thriller de misterio está escrito y producido por Christian Torpe, creador del exitoso drama danés Rita. La niebla Critica: Deleznable. Aburrida. Ilógica y absurda. Algunos, los que habéis buscado en esta página las críticas de la serie, seguramente recordaréis la grandísima película de Darabont, en la que se basa esta abominación televisiva sin gracia ni alma. Una premisa potente, sobre una niebla misteriosa que desciende sobre un pequeño pueblo y esconde monstruos Lovecraftianos en su interior, mientras asoma a su vez la maldad de la naturaleza humana en forma de fervor religioso. Aquí NO encontraréis nada de eso, pero vuestros ojos sangrarán con: -Actuaciones malas de solemnidad. Mención especial para la mujer del protagonista: al nivel de teatrillo de instituto. Cero carisma de todos los personajes. Van 6 capítulos y ni siquiera me sé el nombre del 95 %. -Monstruos....inexistentes. 6 capítulos y ha aparecido una triste polilla. Demencial. -Todos los males endémicos de las series USA, en una única serie, esto es: clichés familiares, malos muy malos con motivaciones ridículas, momentos tiernos forzadísimos, flashbacks de relleno de vergüenza ajena, tramas estiradas que no van a ningún lado, cgi cutre y en muy segundo plano, etc.. -Lo peor de todo es que la premisa original se transforma, por obra y gracia de unos guionistas sin talento ni respeto a la obra de King, y donde había monstruos acojonantes y perturbadores de una dimensión paralela, aquí se sustituyen por "miedos" neblinosos muy cutres y blandengues de los protagonistas. Patético, absurdo y aburridísimo. La Cúpula ya era muy mala, pero esta va camino de superarla como la peor adaptación jamás perpetrada del maestro del terror. Tú te mereces más, Stephen, muchísimo más que esta basura.

Mistress America

Comedia
6.6

La vida de Tracy (Lola Kirke), una joven solitaria y muy poco popular estudiante de primer año sufre un completo cambio cuando aparece en escena la impetuosa y aventurera Brooke (Greta Gerwig), una treintañera que se va a convertir en su hermanastra, pues la madre de Tracy está a punto de casarse con el padre de Brooke. Mistress America Critica: No acabo de entender – ni de compartir – el aprecio que cierto público y algunos críticos sienten por las películas de Noah Baumbach, como si fuera el paradigma de la nueva comedia sofisticada yanqui. Casi siempre me parece que sus intenciones son mejores que sus resultados, prometiendo mucho pero ofreciendo resultados discretos (aunque interesantes), acertando en el colorido y en los personajes pero desperdiciando posibilidades o quedándose por debajo de las expectativas que genera. Adolece de un exceso de indulgencia, como si la innegable simpatía que propagan sus personajes le excusara de trabajar más los guiones o le dispensara de elaborar tramas más arriesgadas que trascendieran el mero afán voluntarioso que pone en sus proyectos. Mistress America Aquí estamos ante un enredo agradable, cómodo, bien dialogado e interpretado, que despierta la sonrisa cómplice sin demasiada dificultad, pero se queda en eso, en una pantomima artificiosa y edulcorada, carente de conflictos reales ni de meollos trascendentes, mero ejercicio embaucador al que no le sobran ideas ni situaciones ingeniosas pero al que le falta mordiente, veracidad y vida. Todo resulta grato, risueño, deleitoso y juguetón pero se echa en falta algo menos de artificio y trivialidad. Vamos, demasiado ruido para tan pocas nueces. No es que una comedia tenga que ser enjundiosa por norma, pero al menos cabría exigirle algo más que ser un ingenuo pasatiempo insustancial. Por ello, si atendemos a lo que hay, no contiene demasiado que objetar. Los actores resultan convincentes y seductores, las situaciones ofrecen oportunidades de lucimiento y sonrisas, el tono es amable y ameno, el metraje fluye elegante, cálido y con gracejo. Pero se queda en eso, en una verborrea chispeante pero superficial, en un exceso de labia carente de alma, más atenta por resultar brillante o en poder ser citada y repetida, que en desvelar dobleces de los personajes o en revelar intimidades insondables o imprevistas. Hay demasiadas palabras y demasiado poco fundamento. Tan fácil de consumir como sencillo e inmediato de olvidar. En definitiva, simpática, asequible e intrascendente, voluble y predecible, frívola y hueca. A ratos centelleante, a ratos anodina, a ratos cómplice, a ratos vana, a ratos entretenida, a ratos plana y repetitiva. Dicen que es una aguda radiografía de los neoyorquinos que pueblan dicha urbe, pero me daría pena que así fuera, porque la simpleza (que es patrimonio de todos) necesita de algún aderezo adicional para hacerla sugestiva. Y aquí falta adobo o sobra insignificancia. Un producto de consumo inmediato de la cocina rápida. Mistress America

El hilo invisible

Comedia Drama
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Un hijo adolescente con dos padres hace un documental sobre ellos, pero un giro argumental en la vida real de su familia le sorprende.El hilo invisible Critica: Por una parte, soy un tardío fan de la cinta original. En 1983 me pareció un pestiño (era un adolescente abducido por ‘La guerra de las galaxias’); en 1992, en mi opinión, el montaje del director mejoraba (y mucho) la propuesta; pero no fue hasta hace algunos pocos años, ya en formato blue-ray, en que me sedujo y cautivó por completo y sin reservas. Por otra parte, soy un entusiasta admirador del director Denis Villeneuve, de quien sólo he visto aciertos de todo género y planteamiento, un virguero de las imágenes y del montaje, un artista incontestable y evidente, lo mejor que me he encontrado en una sala de cine en lo que va de siglo. Es decir, que iba con ganas y sana curiosidad al cine, esperando encontrar un propuesta inédita y – sea cual fuera el camino elegido – llena de aciertos… pero nada más lejos de la realidad.Pero vayamos por partes, porque hay muchos aciertos pero también otros tantos deméritos dignos de mención. Entre lo positivo está la puesta en escena que recrea, prolonga y amplía la arrebatadora estética primigenia: esa llovizna casi constante, esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.El hilo invisible

Whiplash: Música y obsesión

Drama Musica
8.4

El objetivo de Andrew Neiman, un joven y ambicioso baterista de jazz, es triunfar en el elitista Conservatorio de Música de la Costa Este en el que estudia. Marcado por el fracaso de la carrera literaria de su padre, Andrew alberga sueños de grandeza. Terence Fletcher, un profesor conocido tanto por su talento como por sus rigurosos métodos de enseñanza, dirige el mejor conjunto de jazz del Conservatorio. Cuando Fletcher elige a Andrew y para formar parte del conjunto musical que dirige, cambia para siempre la vida del joven. La pasión de Andrew por alcanzar la perfección se convierte en obsesión, al tiempo que su despiadado profesor lo lleva al límite de su capacidad y de su salud mental. Whiplash Critica: Damien Chazelle presentó en 2013 un cortometraje en el que un estudiante y virtuoso de la batería entraba a formar parte de la banda de jazz de su conservatorio, dirigida por un estricto profesor. Esa idea cuajó y ahora nos llega la versión completa de esa historia, la tensa relación entre un alumno que se desvive por la música y un profesor que busca la absoluta perfección. Whiplash Chazelle consigue con Whiplash una conjunción perfecta entre el amor a la música y el desarrollo de sus personajes. Plano a plano la película parece construirse sólo con acordes, golpes de baquetas y resonar de las trompetas, una mezcla musical fantástica que se mueve entre Caravan y Whiplash, jazz potente que aún retumba en mis oídos. Pero no sólo de música vive esta película, ya que Chazelle consigue que profesor y alumno entren en una batalla épica de redobles y platillos, haciendo que el espectador abandone su posición pasiva y participe de forma activa en su historia. Una película que despierta la pasión por la música, aunque sea mínima, que todos llevamos dentro, y el culpable no es sólo el director, sino que sus dos protagonistas, un soberbio J.K. Simmons y un apabullante Miles Teller, ponen la piel de gallina. Una máxima que dejan bien patente en todo momento es esa búsqueda de la perfección, esa obsesión (a veces malsana) de alcanzar un nivel casi inalcanzable, algo que comparten ambos protagonistas, cada uno a su manera y por caminos distintos. Esa obsesión queda también muy bien reflejada en su difícil relación: dura, sufrida, pero llena de pasión, una pasión explosiva con un zenit inmejorable. Llama la atención el tratamiento del sonido en Whiplash y su perfecta sintonía con la imagen. No es algo raro si tenemos en cuenta que su director es un amante reconocido de la música en general y del jazz en particular, y ese amor se nota que lo ha traslado a su mano y a su objetivo. El montaje de imágenes, repetimos, va en sintonía al sonido, a ese tronar de la batería, a los acordes de sus dos temas principales, con lo que da un ritmo trepidante (faltaría sólo eso) y un fluir de la historia muy acertado, porque no sólo de música vive Whiplash, aunque así su personaje lo pretenda con el tratamiento que de su vida real da, encontrada con su vida profesional, o la obsesión de alcanzar la maestría detrás de una batería. Whiplash